In July 2014, Stride Gallery and the National Music Centre partnered to host Montreal-based visual artist JONATHAN VILLENEUVE in a one-week residency. Villeneuve’s residency took place at the National Music Centre and the project was generously supported by The Calgary Foundation. While in residence Villeneuve was privy to the collection of instruments damaged in the 2013 flood. Villeneuve built a strong connection to the damaged instruments metaphorically aligning them with the negative impacts of the natural disaster effecting Stride and NMC. At the conclusion of the residency, Villeneuve selected flood-damaged instruments to bring back to Montréal for the purpose of assembling a kinetic installation. An exhibition of new and existing works by Villeneuve titled WHEN I AM GONE LET HAPPEN WHAT MAY / APRÈS MOI LE DÉLUGE opens at Stride Gallery on January 9th, 2015.

Jonathan Villeneuve would like to thank: Stride Gallery, National Music Centre, The Calgary Foundation, Thierry Marceau, Nelly-Eve Rajotte, Olivier Girouard, Breaden Hewitt, Pierre Gaudet, Centre Sagamie, Thomas Begin, Alexis Bellavance, Est-Nord-Est, Dominique Allard and Veronique LeBlanc.


JONATHAN VILLENEUVE makes poetic machines by assembling familiar materials he barely transforms. His work moves, emits light and produces sound in ways that challenge assumptions about its imaginary function. Villeneuve lives and works in Montréal.



At the crossroads of popular mythology and urban legends, Jonathan Villeneuve’s playful constructions form a path to the very foundation of collective identity. Like stations of a postmodern Way of the Cross, Villeneuve’s works follow the structure of the short story. In effect, the dramatic and mysterious scenes of APRÈS MOI LE DÉLUGE explore with humour and a touch of irony the effects of our times, expressed as much by our beliefs as by our sensory experience of materials.

Inspired by the deluge of biblical proportions of the Bow River in the summer of 2013 and the rescue in extremis of the precious artefacts of the National Music Centre, Villeneuve presents Life Saver: two harmoniums installed like open books in a makeshift boat play the theme song of The Phantom of the Opera. The wind instruments and their nautical base are the cultural incarnation of the natural elements of this contemporary flood whose tragic tenor is extolled by Andrew Lloyd Webber’s musical score. Presented like a holy book and moving like a bat, Villeneuve’s installation portrays the sometimes absurd paradoxes of existence. The popular recreation area of the Bow River was also the sky’s quasi-prophetic tool of revenge. Thus, by subverting viewer expectation and object functionality, Villeneuve avoids a moralistic interpretation of the events to instead reveal their contradictions. In other words, it is not a matter of playing the preacher, but of disclosing the games of discourse and interpretation that dwell on making misfortune meaningful. From natural disaster to cultural harmony, Life Saver does not explicitly distinguish between the saviour and the saved. However, following the example of Nietzsche’s famous maxim, according to which “without music, life would be a mistake,” Villeneuve’s work suggests that it is the meaning of our existence, if not our collective soul, that has been saved from the flood. So that, in the unique structure of Life Saver, the secular leisure activities characteristic of the Bow River’s site stand in opposition to the transcendental and universal experience of art.

While Nietzsche rivalled God by invoking his intentions through music, Villeneuve remains humble before the incommensurable, which he interprets more through the cultural and physical materials within his reach. With the same candid and subversive spirit that characterizes his interpretation of the Flood, Villeneuve’s Sérénade tackles the iconic figure of Elvis Presley as a kitsch reincarnation of Christ. The sculpture is at the centre of Sérénade’s unusual trinity. Halfway between hardware fantasy and Dadaist exploration, and composed of a metal barrel, parts of a bandsaw and a few copper pipes assembled on a carpet of synthetic grass, it plays the notes of the hit “Are You Lonesome Tonight?”. The sculpture’s rough appearance competes with the airy tune, whose semi-religious tone echoes the harmonium’s song in Life Saver. The strange dissonance between the materials and their tonality is not uncommon to Villeneuve’s whimsical approach. His complex, vigorous work trades monumental coherence for strangeness as pure magical effect. The quasi-educational short film SérénadeLa dernière marche du cadavre qui refuse de mourir [Serenade: The Last Step of the Corpse that Refuses to Die]speaks to this extravagant mix of enchantment and improbability. Recounting the sculpture’s epic genesis, the film features a resurrected and disillusioned Elvis. The King’s ghostly presence is akin to a wandering figure in post-industrial America. Without subject or end, the film thus creates unusual dramatic tension. This narrative sophistication casts the sculpture in a new light. From a simple interactive object, it becomes a paranormal jukebox, an implicit manifestation of the Elvis persona. The distinctive nature of Villeneuve’s material approach, which gives spirit to every substance, subtly emerges through these slippages and displacements from the original to the supernatural. The assembly plans trace how the sculpture was created and installed, and thus reveal the sculpture’s essence. Villeneuve worked with prototypes and versions, and delegated the creation of the plans to expert draftspersons. Drafted after the sculpture was made, the plans are genuine expressions of unique aesthetic characteristics rather than technical manuals. As immaculate aesthetic products unconnected to the artist’s hand, these technical drawings synthesize the months of manual labour while leaving out the spontaneity and physical energy the work demanded. The tension created between the physical aspect of the sculpture and the cerebral aspect of the technical drawing in a sense encapsulates the series of paradoxes and contradictions that steer the path of APRÈS MOI LE DÉLUGE. Always balanced between discord and pleasure, Villeneuve’s art overall explores a renewed form of melancholy. The artist thus works like an archaeologist excavating identity’s undiscovered vestiges, revealed as such through the communicability of their experience. From natural and industrial materials to news and cultural references, APRÈS MOI LE DÉLUGE considers constructions of identity in compelling and nostalgic compositions.

While Villeneuve’s works may at time appear chaotic, they ultimately generate a harmonious sensory experience that is characteristic of Villeneuve’s process. For him mechanics is an integral part of an aesthetic approach. The technical tool is not concealed, but rather exalted through the art form. At the core of APRÈS MOI LE DÉLUGE, the sophistication of the mechanisms confronts the raw materials to illustrate the indeterminate movements of existence. Villeneuve trades a clockmaker’s precision for a technical exploration and the poetry of approximation without, however, neglecting to execute the works with great rigour. In fact, the margin of error inherent to his constructions eloquently expresses the otherness of existence: open and moving with no aim or determination other than its own realization.


DOMINIQUE SIROIS-ROULEAU is a Post-Doctoral Researcher at the Laboratoire de recherche en esthétique of UQTR and a lecturer in the Art History Department at UQAM. Her research focuses on the ontology of contemporary work and the concept of the object in current art practices. She regularly participates in various conferences and publications on emergent discourses and art forms.




Au croisement de la mythologie populaire et des légendes urbaines, les constructions ludiques de Jonathan Villeneuve forment un parcours au cœur des fondements de l’identité collective. Telles les stations d’un chemin de croix postmoderne, les œuvres de Villeneuve empruntent à la structure de la nouvelle littéraire. En effet, les scénettes dramatiques et mystérieuses de Après Moi le Déluge examinent avec humour et un brin d’ironie les affects de notre époque traduits autant par nos croyances que par notre expérience sensible des matériaux.

Inspiré par les proportions bibliques des débordements de la Bow River de l’été 2013 et le sauvetage in extrémis des précieux artéfacts du National Music Centre, Villeneuve présente Life Saver composé de deux harmoniums installés comme des livres ouverts sur une embarcation amateur alors qu’ils interprètent la pièce thème du Fantôme de l’opéra. Les instruments à vent et leur socle nautique sont l’incarnation culturelle des composantes naturelles de ce déluge contemporain dont la teneur tragique se voit exaltée par la trame sonore composée par Andrew Lloyd Webber. Offerte tel un livre saint et se mouvant comme une chauvesouris, l’installation de Villeneuve manifeste les paradoxes parfois absurdes de l’existence. Le lieu de plaisance populaire de la Bow River a aussi été l’outil d’une vengeance quasi prophétique du ciel. Ainsi, en déplaçant les attentes du spectateur et les fonctions des objets, Villeneuve se garde d’une lecture moralisante des évènements pour laisser s’exprimer leurs contradictions. En d’autres termes, il ne s’agit pas de jouer les prédicateurs, mais au contraire de mettre à nu les jeux de discours et d’interprétations qui s’attardent à rendre signifiante la fatalité. De la catastrophe naturelle à l’harmonie culturelle, Life Saver ne distingue pas explicitement le sauveur du sauvé. Toutefois, à l’instar de la célèbre maxime de Nietzsche selon laquelle « sans musique la vie serait une erreur », l’œuvre de Villeneuve laisse croire que c’est le sens même de notre existence, sinon notre âme collective, qui a été sauvé des flots. Si bien, que s’opposent alors dans la structure singulière de Life Saver les activités récréatives séculières propres au site de la Bow River à l’expérience transcendante et universelle de l’art.

Si Nietzsche rivalisait avec Dieu en invoquant ses intentions à travers la musique, Villeneuve reste humble devant l’incommensurable qu’il interprète plutôt à partir des matériaux culturels et physiques qui lui sont proches. Avec le même esprit candide et subversif qui distingue son interprétation du Déluge, le projet Sérénade de Villeneuve aborde, non loin d’une réincarnation kitsch du Christ, la figure iconique d’Elvis Presley. Au centre de cette trinité insolite, à mi-chemin entre le fantasme quincailler et l’exploration dadaïste, la sculpture composée d’un baril en métal, des restes d’une scie à ruban et de quelques tuyaux de cuivre assemblés sur un couvre-sol en gazon synthétique fait tinter l’air du succès « Are You Lonesome Tonight ». L’aspect brut rivalise avec la légèreté du carillon dont la sonorité quasi liturgique fait écho au chant de l’harmonium de Life Saver. La dissonance étrange des matériaux et de leurs tonalités n’est pas étrangère à la démarche fantaisiste de Villeneuve. L’œuvre vivante et complexe troque la cohérence monumentale au profit de l’étrangeté comme pure occasion magique. Le court métrage quasi-didactique Sérénade. La dernière marche du cadavre qui refuse de mourir répond à ce mélange extravagant d’enchantement et d’invraisemblance. En relatant la genèse épique de la sculpture, le film met en scène un Elvis ressuscité et désabusé. La présence fantomatique du King s’apparente alors à une figure d’errance sur fond d’Amérique postindustrielle. Le film évoque ainsi une anormale tension dramatique sans sujet ni fin. Ce raffinement narratif éclaire la sculpture d’une nouvelle interprétation. D’un simple objet interactif, elle devient un jukebox paranormal, manifestation implicite de l’entité d’Elvis. À travers ces glissements et décalages de l’originel au surnaturel se dessine subtilement la spécificité de l’approche matérielle de Villeneuve n’admettant aucune substance sans âme. Traces de la création et du montage de la sculpture, des plans d’assemblage orthographique exposent à ce propos l’essence de la sculpture. Villeneuve travaille par prototypes et versions, et délègue la réalisation des plans à des mains expertes. Réalisés après la fabrication de la sculpture, les plans sont moins des manuels de fabrication que l’expression sincère de caractéristiques esthétiques singulières. Produits esthétiques immaculés et détachés de la main de l’artiste, ces dessins techniques synthétisent alors des mois de travail manuel dont ils éludent la spontanéité et l’intensité physique. Cette nouvelle tension entre la physicalité du sculptural et la cérébralité du dessin technique résume en quelque sorte la série de paradoxes et de contradictions qui conduisent le parcours de APRÈS MOI LE DÉLUGE.

Toujours en équilibre entre la discorde et le plaisir, les œuvres de Villeneuve examinent en somme une forme renouvelée de la mélancolie. Ainsi, l’artiste œuvre tel un archéologue fouillant des vestiges identitaires insoupçonnés qui se révèlent en tant que tels à travers la communicabilité de leur expérience. Des matériaux naturels et industriels aux actualités et références culturelles, Après moi le déluge réfléchit les constructions identitaires en tant que compositions séduisantes et nostalgiques. Sous une apparence parfois chaotique, les œuvres de Villeneuve génèrent enfin une forme d’harmonie sensible propre à la démarche de l’artiste. Chez Villeneuve le mécanisme fait partie intégrante de la proposition esthétique. Le dispositif technique n’est pas camouflé, mais plutôt magnifié par la forme artistique. Au cœur du parcours de Après moi le déluge la finesse des mécanismes se confronte alors aux matériaux bruts comme une illustration des mouvements indéterminés de l’existence. Villeneuve troque en effet la précision de l’horloger pour l’exploration technique et la poésie de l’approximation sans pour autant négliger une importante rigueur dans l’exécution. En fait, les marges d’erreurs inhérentes à toutes constructions manifestent de manière éloquente l’altérité de l’existence : ouverte et en marche sans objectif ni détermination autre que sa propre réalisation. 


DOMINIQUE SIROIS-ROULEAU est chercheure post-doctorale au Laboratoire de recherche en esthétique de l’UQTR et chargée de cours au département d’Histoire de l’art de l’UQÀM. Ses recherches s’intéressent à l’ontologie de l’œuvre contemporaine et à la notion d’objet dans les pratiques artistiques actuelles. L’auteure participe aussi à différents colloques et publications portant sur les discours et les arts émergents.


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